lunes, 26 de junio de 2017

ENTREVISTA : MATTHEW GOLOMBISKY - 1º PARTE



Contrabajista y fundador del sello discográfico “Ears&Eyes Records”, originario de la ciudad de Hillsborough en tierras de Trump, vivó en varias ciudades de aquel país hasta  afincarse en su destino actual: Buenos Aires. 
Padre de familia, desde hace un tiempo, que pasea su vida en esta parte del mundo y se da tiempo para todo, tirando los mejores cortes a la parrilla. 


IDJ. Cualquier argentino, te diría ¿qué haces acá?, cuando naciste en el primer mundo y más con una profesión que quizás por cantidad de habitantes y de ser el centro del mundo, tendrías mucho más trabajo. De hecho New York lleva por sobrenombre: "La Ciudad de los músicos".

¿Cómo llegaste por estos caminos y cuáles serían las ventajas y desventajas de hacer y producir jazz desde acá con respecto a hacerlo en Norteamérica?

A fines de 2008, tuve el impulso de mudarme a un país nuevo y probar algo diferente. En su momento vivía en Chicago, tocaba, componía y creaba conciertos y giras con mucha gente asombrosa pero pensaba que si no viajaba en ese momento, tal vez no iba a poder hacerlo nunca. Mi primera idea fue ir a Praga o Berlín porque conocía de haber tocado en Berlín en 2005.

También porque se un poco de francés y alemán, y me gusta la región en general. Pero fin de año en el hemisferio norte es invierno, así que Alemania y República Checa no es tan agradable. No es tan frío como Chicago donde son meses y meses de nieve, pero la verdad es que prefería irme a algún lugar con sol y calor! Un amigo me contó que Buenos Aires era re lindo con buena gente, comida rica y re copado. 

Busque algunas cosas en la web y me decidí! No sabía español, excepto algunas palabras como “hola, adiós, uno, dos, tres, cuatro, salsa, taco, quesadilla, burrito, etc”. Igual, averigue sobre Buenos Aires y dije, creo que es un lugar que voy a disfrutar mucho. Vendí mis cosas (menos mis bajos y libros de música), compre un pasaje a Bs.As, alquile un cuarto en un departamento en Boedo, y me vine con una valija y un bajo acústico, nada más.

No conocía nadie y no conocía la ciudad. Durante las primeras semanas estuve sin reloj, celu, ni acceso a wifi/internet y no podía charlar con nadie del barrio, tampoco mi roomate. Tengo muchas historias sobre esas primeras semanas pero bueno, vamos a seguir. Para acortar la historia larga, conocí una chica muy perfecta para mi, nos enamoramos, y pensé en quedarme en Bs.As, pero ella consiguió una beca para estudiar en EEUU. Entonces volví a EEUU por tres años y, después de ese tiempo, volvimos a Bs.As y hace ya 4 años que estamos acá.

Actualmente mucho de mi trabajo es online. Puedo charlar con artistas a través de Google Hangouts y/o FaceTime. No estoy teniendo que buscar nuevos artistas porque muchos de mis amigos y su entorno en Chicago ya conocen ears&eyes. Por eso, muchos lanzamientos de ears&eyes son de músicos de Chicago. También estamos creciendo y tengo lanzamientos de Bélgica y Croacia y además mucho de mi trabajo, como marketing y comunicación con gente de prensa, y la empresa que produce los discos, vinilos, y cassettes, todo es online. Adicionalmente, tengo muchas ganas de trabajar con músicos en Buenos Aires porque hay mucha música muy creativa. Ya estoy en conversaciones con un contrabajista que me gusta mucho, Juan Bayon. Bs.As está lleno de buenos músicos y también sellos, por ejemplo, me gusta mucho el trabajo y los lanzamientos de Kuai Music y Nendo Dango.


IDJ. Manfred Eicher era contrabajista como vos y un día sintió que era más útil del otro lado del vidrio, al lado de la consola. ¿Hay alguna similitud con el hecho que compartís ambas pasiones, como el alemán?

Manfred Eicher es una persona muy importante para la música creativa, linda, nueva y avanzada. Nunca se me ocurrió que mi trabajo es similar al suyo, pero, ahora que lo mencionas, es verdad que ears&eyes está lanzando música creativa, linda etc etc, como ECM. Pero ECM es ECM. Otro mundo! Yo particularmente no diría que he cambiado el lado del vidrio. Actualmente sigo tocando y componiendo mucho; y los músicos de ears&eyes hacen muchas cosas por cada lanzamiento.

Es más como una comunidad. Obviamente mucho de mi trabajo es de preparación para vender los discos online y psíquicamente, contactando prensa, y pensando que podemos hacer para poner la música a disponibilidad en la mayor cantidad de oídos que podamos, produciendo videos, a veces el diseño/arte… es verdad que es mucho. Pero, no me puedo comparar con Manfred Eicher! Jajaja!

IDJ. Estando en Buenos Aires, ¿como contactas a los músicos y le das forma a determinado proyecto?

Como te contaba, suelo usar FaceTime para mis reuniones con los músicos. También, un diseñador de Buenos Aires es quien está haciendo el arte de muchos discos, pero igual estamos en contacto por email y WhatsApp!.

 Para definir si quiero trabajar con un nuevo disco, la música tiene que ser nueva, inspiradora y creativa. Otra cosa en la que siempre estoy pensando es si puedo conseguir prensa, si hay una historia sobre ese disco o el músico. Si no hay historia, es más difícil que los escritores escriban al respecto porque hay mil lanzamientos por semana y tenemos que tener más que solo el audio.

No estoy seguro de esto pero creo que el espacio que tienen los críticos de este tipo de música es cada vez menor así que tenemos que ofrecer no solo buena música sino tambien una historia para contar y cualquier otro tema relevante que el músico pueda ofrecer. También por eso, desde ears&eyes, ofrecemos streaming exclusivos, video premieres, etc.

IDJ. Distribuis el material de manera digital, método que tiene una llegada más directa, sobretodo para quienes difundimos. Y también en formato físico. ¿Como ves el reflotamiento de formatos como el vinilo y el mismo cede en comparación con la marabunta digital que todo lo devora?

Siempre trato que, en la medida de lo posible, e&e tenga algo físico que ofrecer a nuestros fans y seguidores, algo físico que, en teoría, inmortalice esta música. Por supuesto, algunas personas prefieren comprar algo más simple y pequeño, por ejemplo downloads digitales. 

No quiero que esas personas no puedan disfrutar de nuestros lanzamientos. También es fácil ofrecer versiones digitales, entonces, porque no? Otra cosa a considerar es que, y esto es una percepción ya que no tengo información concreta al respecto, muchas veces nuestra audiencia no considera serio un lanzamiento que se realiza solo de manera digital vs algo fisico también. Es como que pensaran, “bueno, si este artista no se dedica lo suficiente a producir algo físico, entonces no debe ser de buena calidad”. Aunque falso, y aunque esta persona compra versiones digitales igual, es una manera de pensar.  Otra vez, solo una teoría pero, por esto, es que tratamos de lanzar discos físicos en la medida de lo posible. Y aun con todo esto, me contradigo a mi mismo porque el último lanzamiento de e&e, Gustav 29 Hanna Concerto, fue solo digital!

Creo que hay aspectos positivos y negativos de la nueva tecnología digital, pero lo importante es que esta acá y puede ser aceptada, ignorada, magnificada y/o manipulada como se quiera. Creo que es una oportunidad y una desventaja. Por ejemplo, hoy en día puedo compartir álbumes con gente de prensa de manera más rápida, fácil y barata. Por otro lado, las personas que decidieron no comprar reproductores de CD, cassette, y/o tocadiscos aun pueden participar de nuestra música. Las personas que deciden tener música disponible cuando salen a correr, tomarse un colectivo, etc pueden participar en lo que estamos haciendo, y eso me encanta.

Pero también creo que muchas personas creen en tener la música en sus manos, y por eso los formatos físicos. Estas personas pueden o no ser conscientes del hecho de que toda su música está en una app o una página y que una compañía, como Spotify, decide si un determinado álbum o artista no genera ingresos suficientes y deciden si lo borran y no lo ofrecen más. Los consumidores de Spotify no participan de esa decisión y son los que pierden. Entonces ser dueño de la música también es importante y nos aseguramos que eso sea una opción para nuestra audiencia. También creo que las personas que escuchan jazz son diferentes a la audiencia típica de, por ejemplo, rock/pop en tanto que nuestros oyentes entienden el tiempo, energía, esfuerzo, costo, y amor que significa convertirse en un músico de jazz competente, y están más que felices de participar en ese tipo de relación, es decir, son más propensos a pagar por la música.

IDJ. Se están viviendo momentos muy productivos en el País en cuanto a jazz local se refiere. Hay sellos, festivales y movidas que van desde el jazz más ortodoxo hasta el free más visceral o la música improvisada.

¿Estás al tanto de lo que se hace puertas para adentro? ¿Qué músicos locales podrías mencionar entre tus preferencias?

Si! Es un gran momento con mucha música nueva, creativa, y excitante. También, hay muchos clubes nuevos que están presentando, en general, arte nuevo. Me gusta mucho el trabajo y música de los sellos Kuai Music y Nendo Dango, los clubs como La Pipa de la Pepa, Café Vinilo, y El Quetzal, el Festival Internacional De Jazz, y músicos como Juan Bayon, Andrés Elstein, Tatiana Castro Mejía, Pablo Motta, Ramiro Flores con su banda El Jardín de Ordóñez, las revistas y blogs como BA Jazz Magazine y ArgentJazz, escuelas gratis como el Instituto de Música y la  Escuela de Música Popular en Avellaneda y hay mucho más! Es verdad que es una época muy importante para Bs. As y la escena de jazz.

IDJ. El sello está destinado a producir nueva música. Si tuvieses que ubicarla estéticamente, ¿En que lugar la pondrías ?

Mi idea siempre es lanzar buena música; debe ser fresca, interesante, intrigante y sincera. Muchos lanzamientos son de jazz/música creativa, pero no todos. Por ejemplo, hay algunas bandas de rock/soul, pop, electrónica y folklore (de EEUU). 







© Impronta de Jazz 

miércoles, 14 de junio de 2017

WILLY CROOK & FUNKY TORINOS




VIERNES 7 DE JULIO, 21 y 24 HS.

SÁBADO 8 DE JULIO, 21 y 24 HS.

BEBOP CLUB

Moreno 364, San Telmo - CABA

Entradas: $300.-


A la venta a través de www.bebopclub.com.ar o en Aldo's Restaurante 

(de 15 a 20 hs.)


Info al : 4331 3409 ó 4343 0823


Willy Crook, el astro del funk nacional vuelve a Bebop Club con su formación legendaria, los Funky Torino's, para continuar presentando su nueva placa "X" en dos noches con doble función.

ACERCA DEL SHOW

El saxofonista y guitarrista nuevamente se sube al escenario de Bebop Club donde continuará presentando su reciente EP, con seis canciones inéditas, además de hacer un repaso por su mejor repertorio funk. 

Una nueva cita de música y buen gusto. Entre clásicos del funk, soul y jazz, interpretará "Dat on", "Fingers" y "Mortal", temas inéditos de su nueva placa X, que lo devolvió a los estudios de grabación luego de su logrado trabajo Fuego Amigo (2004), el cual reeditó este año. Su nuevo disco "X", contiene seis canciones, entre ellas versiones de "No te culpes", "Wives and lovers" y "Outstanding", y está disponible en la plataforma badcamp. 

Con la picardía y el carisma que lo caracteriza, Willy Crook vuelve para dar un concierto memorable y demostrar una vez más, que es el referente del género en nuestro país.





ACERCA DE WILLY CROOK


La carrera musical de Willy Crook comenzó con la guitarra y años después el saxo. Vivió durante varios años en Europa (España, Marruecos, Francia).Cuando regresó a la Argentina, formó parte de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; en los dos primeros discos de la banda (Gulp y Oktubre) registró su saxo. En 1986 se sumó a Los Abuelos de la Nada (realizó la última gira con la banda antes de la muerte de Miguel Abuelo). 

Estuvo junto a Los Toreros Muertos en España y en 1990, fue parte los Lions In Love (formado por Daniel Melingo). En 1993, Daniel Melingo produce el material de lo que fue el lanzamiento de la carrera de Willy Crook: Big Bombo Mamma, grabado entre Buenos Aires y Madrid. Finalmente, en 1994, el disco se edita en Argentina, España, Bélgica y Holanda. 

Paralelamente, Crook colaboró con artistas como: Rita Marley, Charly García, Los Fabulosos Cadillacs, Riff, Man Ray, Memphis, Fontova Trío, Los Encargados, Sumo y más... En estos momentos se encuentra presentando su reciente material discográfico N º X.


Willy Crook & Funky Torino's

Integrantes: Willy Crook (guitarra, saxo y voz), Esteban Freytes (bajo), Juan Cava (batería) y Leonel Duck (teclado), Jimena Collado De Giovannini (coros)


domingo, 4 de junio de 2017

DAMIEN POOTS - LA RUTA NATURAL


Comentar este trabajo me estimula sobre lo que se engloba dentro de esta nueva vertiente de músicos, que propician la apertura de espíritu desde una actitud libre que cada vez más, deja de ser utopía por estos lares. Califique si es adepto a los rótulos, el estilo que quiera.   

Por otro lado el sello KuaiMusic, sigue apostando por una verdadera visión artística, que encuentra eco en todos aquellos que seguimos explorando territorios ambiguos con una  continuidad de propuestas muy interesantes.

Músico nacido en 1984  en la ciudad de los míticos estudios Abbey Road, se instaló en Buenos Aires en 1993 y este es su segundo trabajo donde destaca su buen gusto y su aguda intelección estética.

El guitarrista aguijonea desde las seis cuerdas un juego intimista, cuyo cuerpo elemental basa su energía sutilmente canalizada en su toque sosegado; porque sus formas se definen hacia la introspección aportando pinceladas, que divagan con una luminosidad sonora intimista y madura. Una esfera llena de matices que emana nostalgia y es desde ahí donde surge el verdadero sonido de su verba melódica. 

El grupo enriquece la gama sónica de las visiones de Poots, sabiamente destiladas en sus intervenciones y ayudan a la variedad de enfoques y ambientes.

Hermoso híbrido entre  folk,  minimalismo, abstracciones, ensoñaciones etéreas y mágicas. Solamente recuéstense en el lugar más acogedor del hogar, coloquen “Palabras Inconclusas” y mientras lo escuchan, déjense llevar sin condicionamientos a ese lugar donde desaparece por momentos la rutina agobiante de cada día.-


Damien Poots: guitar & keyboard (tracks 4 & 7) 
Tomás Fares: piano & rhodes 
Lucas Goicoechea: alto sax (track 3) 
Mauricio Dawid: electric bass 
Fran Cossavella: drums



sábado, 27 de mayo de 2017

EL JAZZ SEGÚN: JEAN PAUL SARTE


La fotografía que se empeñan en remendar con ese actual Sartre sin cigarrillo no es Sartre, como tampoco hoy sería quien es de no haber existido el jazz. El pasado 21 de junio propició la celebración del centenario de Jean-Paul Sartre (París, 1905-1980), el escindido ensayista y filósofo del existencialismo combativo. 

Sin la representación de la libertad e imaginación que el autor de La Náusea supo captar en las entrañas del jazz norteamericano jamás hubiera llegado a proponer la revisión humanista que traía consigo aquella sentencia que rezaba “hacer, y al nacer hacerse, y no ser más que lo que él se ha hecho”. 

Como el hombre, también el jazz que escuchó Sartre “sobre el terreno” era una pasión inútil, violenta, dolorosa, pero por ello auténtica, cercana, y también bella. El texto que sigue fue publicado en el número 0 (verano de 1990) y en él se aprecia con claridad por qué este humorado “maître à penser” sentía también en el jazz esa nostalgia por las cosas bien hechas que le hacían olvidar el absurdo vital y otorgaban esperanza al estrabismo de su existencia extraviada.



La música de jazz es como los plátanos que se comen al momento. Dios sabe los discos que hay en Francia y los imitadores melancólicos, pero es justamente un pretexto para verter lágrimas en buena compañía. He descubierto el jazz en América, como todo el mundo. 

Algunos países tienen diversiones nacionales y otros no las tienen. Hay diversión nacional cuando el público impone un silencio riguroso durante la primera mitad de la representación y empieza a vociferar y a saltar durante la segunda mitad. Si se acepta esta definición, no existe en Francia diversión nacional, excepto en las subastas. 

Tampoco existe en Italia, excepto en los robos: le dejan operar al ladrón en medio de un silencio atento (primera mitad) y después se protesta y se grita “¡al ladrón!”, mientras que él se escapa (segunda mitad). En Bélgica, por el contrario tienen las luchas de gallos; en Alemania, el vampirismo, y en España, las corridas.


EN FRANCIA, LOS JAZZISTAS SON HOMBRES GUAPOS, CON CAMISAS FLOTANTES Y PAÑUELO AL CUELLO. SI ALGUIEN SE ABURRE DE ESCUCHARLES, SE LES PUEDE OBSERVAR Y TOMAR NOTA DE SU ELEGANCIA



Yo me he dado cuenta en Nueva York de que el jazz es una diversión nacional. En París sirve para bailar; pero es un error; los americanos no bailan al ritmo del jazz; tienen para ese efecto una música más particular, que sirve para celebraciones y bodas, y que ellos llaman “Music by Muzak”. 

Se abren los grifos en los apartamentos, y suena el Muzak mientras se flirtea, se llora, se baila. Se cierran los grifos y se acabó la música del Muzak. Los comunicantes y los amantes se acuestan. En el Nick’s Bar de Nueva York se divierten nacional mente. Es decir, se sientan en una sala repleta de humo, junto a los marineros, malabaristas, maleantes y damas de la sociedad. Mesas y apartados Nadie habla. Los marineros van de cuatro en cuatro. Miran con odio legítimo a los chulos que sí sientan en apartados con su pareja. Ellos también desearían pareja, pero no la tienen. Beben, son hombres duros; ellas son duras también; beben y no hablan nada. Nadie habla, nadie se mueve; el jazz suena desde las diez hasta las tres de la madrugada. En Francia, los jazzistas son hombres guapos, con camisas flotantes y pañuelo al cuello.  
Si alguien se aburre de escucharles, se les puede observar y tomar nota de su elegancia. En el Nick's Bar aconsejan no mirarles; son igualmente feos que los ejecutantes de una orquesta sinfónica. Rostros huesudos con bigotes, llevan americana y cuello semiduro (al menos, durante el principio de la velada) y tienen la mirada dura. Los músculos abollan las mangas de sus camisas.

Están tocando. Se les escucha. Nadie sueña. Chopin hace soñar o también André Claveau. Pero no el jazz del Nick’s Bar. Fascina y no se piensa más  que en él. No existe el menor consuelo. Si acaso sois cornudos, os marcháis como estabais, sin ternura alguna. No hay forma de coger la mano de vuestra vecina o compañera y de hacerla comprender con un guiño que la música puede traducir un estado de ánimo. Es seca, violenta, sin piedad. No es alegre, no es triste, pero sí inhumana. Todo ello se parece a los gritos crueles de las aves de presa. Los intérpretes empiezan a sudar uno después del otro. Primeramente el trompetista; luego, el pianista, y el trombonista, seguidamente. El contrabajo parece estar moliendo algo. No hay lenguaje de amor, no hay consuelo. Todo es apresurado, como las gentes que van a tomar el Metro o que almuerzan en un restaurante automático. Tampoco es el cántico secular de los esclavos negros. Ni tampoco el sueño triste de los “yanquees”. Nada de esto: un intérprete fuerte y grueso soplando su trombón, un pianista implacable, un contrabajista que rasca sus cuerdas sin escuchar a los demás. Se dirigen con esta música al sentimiento más elevado del oyente, al más seco, al más libre, al que no quiere ni melodía ni ritornello, sino la explosión atronadora del momento. El oyente se siente como reclamado por ellos. No se siente balanceado. Es como una peonza en movimiento que gira..., y el ritmo nace.

Si el oyente es joven, ese ritmo le agita y le hace saltar con más y más fuerza, y el que está a vuestro lado también; es como una ronda infernal. El trombonista se cansa, vosotros también, como el trompetista, y de repente notáis algo que ocurre en el escenario; los músicos ya no tienen el mismo aspecto, se comunican esa prisa, un aire maniático, parece que están buscando alguna cosa. 

Alguna cosa como el placer sexual, y el oyente también busca algo y empieza a gritar, ¡hay que gritar!, la orquesta se convierte en una peonza inmensa. Si os paráis, la peonza se para también. Gritáis; ellos siguen rascando, soplando; están  poseídos, y seguís gritando como una mujer que va a dar a luz. El trompetista toca al pianista y le transmite su posesión como en la época de Mesmer y sus baldes. Seguís chillando, y toda una masa de gente chilla; ya no se oye el jazz, pero sobre un estrado se ven gentes que sudan, y sentimos el deseo de girar sobre nosotros mismos, gritar a la muerte y golpear el rostro de nuestra compañera.

Y de repente, el jazz se para, el toro recibe su estocada, el gallo más viejo se ha muerto. Todo ha concluido, Y sin daros cuenta habéis bebido vuestro whisky mientras gritabais sin daros cuenta de ello. Un camarero impasible lo sustituye por otro. Os quedáis asombrados, os agitáis y decís a vuestra vecina de mesa: “¡No está mal!” Ella no os contesta, y empieza todo de nuevo. No os dedicaréis al amor esta noche, no os tendréis lástima y ni siquiera habréis llegado a emborrachamos; estaréis imbuidos por un frenesí, por ese crescendo convulsivo que se parece al ansia rabiosa e inútil del placer. 

Saldréis de allí un poco gastados, un poco ebrios, pero con una especie de calma apaciguada, como después de un gran desgaste nervioso. El jazz es la diversión nacional de los Estados Unidos.


Intro: Enrique Turpín
Fuente: CDJ Nro 89 - Pág.:42 / 43
Julio / Agosto de 2005



domingo, 14 de mayo de 2017

DANIEL TOLEDO TRIO & PIANOHOOLIGAN - ATRIUM


El músico sobre quien escribo, contrabajista de origen ecuatoriano, tuvo la consideración de enviarme su música a la nueva usanza: digitalmente. Aunque, como lo sabemos, los del jazz seguimos militando por el objeto.

En esta grabación participa un pianista polaco y un baterista sueco que aunaron fuerzas y voluntades para crear desde el formato que popularizo Bill Evans temas propios  con un buen manejo instrumental. 

Desde el comienzo, está muy presente la relación entre las tres partes. No se si es una formación estable o armada para la ocasión; pero el entendimiento entre ellos parece pulido por horas de ensayos. Estos artesanos inspirados, han construido un universo a su alcance, y se adentran en un proceso que depende de la asimilación y metamorfosis de una moderna fusión, en un juego lúdico que mezcla ingenuidad y sofisticación.

Salvo “Abridged Perspective” que se moldea sobre un entorno minimalista y de introspección que conocemos de sobra de los tríos europeos, al resto le imprimen un panorama abierto y un marco idóneo en ese inmenso territorio que es el jazz. Se agradece desde el recambio que el género no se haya quedado anquilosado en el tiempo y siempre avance hacia formas estimulantes. 

Diseccionar el contenido, de cada composición me resultaría un ejercicio que desplomaría lo mejor que tiene esta música: la sorpresa. Por eso los invito a que entren en bandcamp (como han cambiado los tiempos) y sean cómplices de una propuesta que desemboca en un concepto maduro y distendido. Un disco lleno de interés de un trío impecable, sin excusas ni antifaz.

Piotr Orzechowski – piano
Daniel Toledo – bass
Paul Svanberg – drums



domingo, 7 de mayo de 2017

ENTREVISTA: MARTÍN ROBBIO


Junto a su trío y la suma de Los Guevaristas, como base de apoyo fundamental Martín Robbio despliega en “Tierra” su última producción una música capaz de cautivar a un público mayoritario manteniendo un respeto por la tradición local que lo define como un músico completo manteniendo el fuego de “lo nuestro”. 
Martín mezcla esa gran diáspora negra para así abrirse a otras realidades musicales poniéndole su propio sello. Compartimos en esta entrevista su curiosidad hacia estas tendencias y como cobra vida en “Tierra”.


IDJ. Me gustaría empezar con lo básico: ¿Cómo comenzó este proyecto?  

Nosotros tocamos en trío desde 2010, pero dado el componente rítmico en nuestros primeros discos, decidimos incorporar un percusionista a la formación en 2014. Eso ayudó a que las posibilidades rítmicas se duplicaran y empecé a concebir el nuevo proyecto con el énfasis puesto en eso. Sumado al gusto personal que tengo por los grupos de percusión, la idea se concibió en seguida pero parecía utópica y enseguida empezaron las dificultades de llevarla a cabo. El otro motor fundamental fue Facundo Guevara, quien se entusiasmó con el proyecto y se comprometió mucho para que podamos concretarlo.

IDJ ¿Tenías definida la idea del sonido que le querías dar?

Sí, pero eso no quiere decir que no haya cambiado cuando lo empezamos a concretar. Nuestro trabajo en trío tiene como base los ritmos folclóricos de Sudamérica, pero a la vez un sonido jazzero, por la formación (piano, contrabajo y batería) y por el acento puesto en la improvisación. O sea que la idea era que el grupo de percusión se junte con estos componentes. Pensaba en las propuestas de Randy Weston y de Hugo Fattoruso, por ejemplo. Posteriormente con Facundo, decidimos darle un papel predominante al bombo legüero y buscar qué bases de géneros argentinos podían convivir con las raíces afro de la música de América. Él sumó ritmos que yo no conocía y empecé a ver más claras aún las coincidencias.

IDJ. Tanto Eduardo Lagos como El Cuchi, son pilares fundamentales a los cuales de un tiempo a esta parte muchos músicos de jazz se adentraron en esos universos, creo, intentando dar un señuelo o guiño de identidad a la estética del jazz local. Guillermo Klein por nombrar al más conocido. Tu último trabajo tiene dos cortes de estos autores. 

¿Que encontrás en ellos que pueden sumar a un sonido identitario de “lo argento”?

Todo. Pero yo creo haber hecho el camino contrario. Me identifico más con la raíz de la música de ellos y partiendo de ahí es que encontré las posibilidades de la improvisación y de una armonización que usualmente están identificadas con el jazz.
Para mí esa identidad se manifiesta por una raíz que en la música de estos autores está muy presente aunque se diga que suenan “modernos”. Es un anclaje en la tierra muy profundo, que también tienen Yupanqui, Troilo, Carnota y Hugo Díaz, por nombrar a algunos.
Me alegra mucho y me parece necesario que el jazz local ahonde en la identidad musical de estos autores referenciales, ya que el jazz también es folclore.

IDJ. Hay una amplia variedad de influencias en “Tierra” que se engloba dentro del espíritu afro latino pero también está pegadito el lado cubano de la vida. Hay un papel muy importante de la percusión que recorre todo el trabajo. 

La música cubana, como la peruana, eran ineludibles en un trabajo de estas características. También Estados Unidos, Brasil y Uruguay comparten esa herencia negra que en nuestra música parece estar más escondida.

IDJ. ¿Te sentís más a gusto trabajando en el estudio o tocando en vivo? 

Tocando en vivo, dada la gran cuota de improvisación y espontaneidad que tiene la música que hacemos y la manera en la que nos gusta que suene. Por eso siempre que grabamos también los hacemos en simultáneo y evitamos, en lo posible, las sobregrabaciones y las ediciones. 

IDJ. Probablemente siempre ha sido un desafío ganarse la vida siendo músico, o vivir del arte, quizás en este momento del País mucho más ¿Cuál es tu situación al respecto?

Apuesto a la constancia, al mismo tiempo que exijo que las condiciones mejoren y que se respeten ciertos valores básicos. Creo que insistiendo con compromiso en lo que uno hace, y armándose de paciencia, se logra una conexión intensa con el proceso artístico que es primordial para poder vivir de esto. Eso no quita que haya que luchar y resistir, pero considero que el mejor estado para la creación es cuando se asume un compromiso con uno mismo y se trabaja con constancia y con coherencia. Es decir, tocando todos los días y asumiendo la responsabilidad de lo que se hace: pensar constantemente en la música, hacerse cargo. Es un círculo vicioso porque uno se siente bien cuando lo hace y esto es a la vez condición necesaria para alcanzar buenos resultados: arte y vida no están separados. 

IDJ. Desde tu lugar de líder ¿Qué haces para que la interacción de grupo sea una prioridad ?

No tengo que insistir tanto, es una premisa que tenemos todos los que formamos parte de este proyecto. Creemos en el esfuerzo del estudio cotidiano y en la importancia de los ensayos. Y ponemos siempre por encima la interacción grupal. Nos llevamos muy bien, sabemos adónde apuntamos e intentamos siempre poner nuestro aporte individual al servicio de la música. El compromiso lo tenemos con la música, así que no es tan importante que haya un líder.

IDJ. En estos últimos años el negocio de la música como de los discos ha cambiado drásticamente y a una velocidad impensada  de varias maneras ¿Cuál de todos es el que más te llamó la atención ya sea para criticar o para ponderar?

No me animo tanto a ponderar o a criticar. Creo que el momento actual, las redes sociales, el mundo en el que vivimos, etc. hacen que no tengamos tan claro cómo actuar, qué es bueno y qué es malo. Más bien diría que estamos en un momento de transición. Todavía hacemos discos artesanalmente pero también usamos las redes sociales y las plataformas, y esa convivencia está lejos de ser fluida. Hoy todo se basa en hacer las cosas rápido y ya, predomina lo descartable, pero a la vez seguimos viendo un valor en las cosas que perduran, que tienen profundidad. Entonces hay algo que aún no está resuelto.

En términos concretos, los discos están desapareciendo pero aún las plataformas digitales no pueden reemplazarlos. Ni Sadaic sabe qué hacer con eso. Quizás en un futuro se legisle lo digital, se organice la producción en ese sentido y se ofrezcan opciones para los que aún queremos escuchar música con atención y con buena calidad y para los que queremos cobrar por nuestra música como corresponde. Entonces puede ser que no haya problemas con prescindir de los discos. 

Mientras tanto, la idea del disco a mí me sirve para seguir teniendo proyectos, planificar, juntarme a ensayar y hacer obra. No me preocupa tanto si el disco sale o no sale, si sale en cd, en vinilo o de forma digital mientras el compromiso con mi obra se sostenga.


IDJ. ¿Cómo va Tierra?

El disco está en disquerías y se vende en los shows. Las reseñas han sido muy buenas y la convocatoria de la primera presentación, excelente. Como pasó con nuestros discos anteriores, se está vendiendo bien en Japón, pero además este disco tuvo difusión y buenas críticas en Sudáfrica y en Inglaterra. 


DISCOGRAFÍA REFERENCIAL:

PARRESIA - 2012
EL MISMO RIO - 2015
TIERRA - 2016

Foto : de izquierda a derecha, los que posan son: Juan Fracchi (contrabajo), Ariel Sánchez (batería), Facundo Guevara (percusión), Martín Robbio (piano) y Javier Martínez Bucas (percusión).

Escuchar Tierra:



lunes, 1 de mayo de 2017

viernes, 14 de abril de 2017

PABLO LEDESMA + PEPE ANGELILLO – HOMMAGE


Fin de una etapa y brillante broche de oro para dejar documentado en tres trabajos “Memorial”, “M&M”, “Hommage”  la fructífera asociación, de dos músicos que están en permanente sintonía.

Ambos con vidas musicales independientes, han recorrido un camino impecable desde la recreación original y auténtica de compositores poco transitados. No están acá los standards de antaño, sino la opción de dos libre pensadores cuyo trazado argumental se apoya en una mirada original y profunda del lenguaje del jazz. Lo cual también hace pensar que la revolución se puede dar siempre desde otro lado.

Lejos de los lugares comunes, ese contraste hace que se pueda discernir la creatividad del dúo. El mar embravecido de Pablo acá esta calmo y no hay diluvio de notas, sino relecturas muy bien escogidas. Pepe suma su toque sosegado, condensando la espinosa voz de su partner.

El material elegido, ofrece audacia y una libertad inmejorable. Pablo explora la amplitud del instrumento de Lacy acompañado de Pepe, logrando el tándem una poética literalmente irrepetible, sobre composiciones de otros.

Por lejos las visitas sobre Misha Mengelber y Mal Waldron están dentro de los grandes momentos a la hora de elegir. Aunque huelga decirlo, el repertorio llama al silencio a cualquier mortal que ponga esta música.

La dupla parió un trabajo excelente, creativo y abierto. Un enorme aplauso por el placer de escuchar, otro por el riesgo estético y el último  por su trabajo de entrega.



Pablo Ledesma: Saxofón Soprano
Pepe Angelillo : Piano


¡¡¡A la venta en "La Disquería" calle 54 casi esquina 8, La Plata 
y en "Minton's" Galería Apolo, Av. Corrientes 1382, Buenos Aires!!!

viernes, 7 de abril de 2017

ENTREVISTA - LUCIO BALDUINI



La paulatina incorporación del lenguaje que definimos como contemporáneo, es decir la música que nace en el aquí y ahora dentro del contexto del jazz actual, ha provocado una aceleración irreversible de esta tendencia que depara no pocas sorpresas. El músico en cuestión tiene mucho andar en las seis cuerdas tanto en su tarea solista como acompañante, dando resultados alentadores junto a otros colegas o alimentando las expectativas de sus oyentes; los actuales y los futuros, siendo uno de los más interesantes en los últimos años y su propuesta ha evolucionado disco a disco.

Con tres trabajos de cuño propio y muchas participaciones con músicos de renombre, Lucio sale nuevamente a decir presente con su última producción, “El Bosque Brillante”; manteniendo un alto nivel con una propuesta intrigante, sin complejos y de una enorme frescura.  



IDJ ¿Cuál es la mayor dificultad que se encuentra cuando uno tiene que componer nueva música?

Muchas veces aparece una idea inicial, que es un impulso y una motivación para explorar alguna textura armónica o melódica. Pero después hay que desarrollar esa idea. Yo creo que esa es la parte difícil.
En mi caso hay mucho trabajo de investigación en ese sentido. Experimentar con la idea y llevarla en diferentes direcciones, es importante para conocer las fronteras a las cuales uno puede llegar. Ese proceso implica mucho tiempo y energía. Creo que ahí está la mayor dificultad. Pero también creo que en esa búsqueda también vive la música, y la pasión por descubrir nuevos mundos.


IDJ. ¿Tenés algún método particular para componer ?

No tengo un método. Yo no practico la composición todo el tiempo. A veces cuando aparece la idea, intento dedicarle tiempo para explorarla. Otras veces agarro la guitarra y sé que voy a hacer un tema. Siento ese impulso y me entrego a eso.


IDJ ¿Es la improvisación un ingrediente que tengas en cuenta para tu música?

La improvisación está siempre presente. Eso no significa que en los temas siempre tiene que ocurrir la improvisación. Cada tema te va diciendo qué es lo que necesita. Pero sin duda la improvisación es una herramienta esencial a la hora de llevar los temas al grupo. Porque en esa interacción grupal es donde surgen la formas definitivas de las canciones. 

Creo que la improvisación te permite estar en el presente y sentir el momento. Me parece que eso es lo más importante. Yo busco que la música siempre esté en movimiento. Cada día es único y por eso uno no puede tocar los temas siempre igual. La improvisación nos enseña a estar en el momento. Sea cual sea la música que estemos tocando.

IDJ. Hace poco leí una declaración que me impactó mucho por claridad de concepto. China Moses,  hija de Dee Dee Bridgewater, decía que realmente no le importa el término "jazz". Es demasiado pesado, su peso es abrumador ya que han recalado a través del tiempo todas las variaciones musicales que han llegado desde que el término fue creado.

¿Cómo ves esa idea, cuando lo que hacen los músicos actuales, en su mayoría, es, desde mi punto de vista, música contemporánea? ¿Tiene sentido seguir llamándolo así? 

Yo creo que jazz es sinónimo de libertad. También creo que es una forma de acercarse a la música, usando la improvisación como método de aprendizaje. Por eso creo que es mucho más que un estilo. Cuando improvisamos, nos damos la posibilidad de jugar con las herramientas y el lenguaje. En el jazz, todo ocurre ahora, y cualquier música que uno toque con esa intención, contiene jazz, porque contiene las sensaciones de ese momento. 

IDJ. Contanos cómo va “El Bosque Brillante” y del grupo que te acompaña.

Creo que el disco va muy bien. Ya lo estamos disfrutando. Estamos tocando mucho en vivo y es muy lindo poder disfrutar de la música después de todo el trabajo que hicimos para hacerla realidad. El grupo está formado por Esteban Sehinkman en Sintetizadores, Mariano Sivori en contrabajo y Pipi Piazzolla en batería. Llevamos mucho tiempo tocando juntos en diferentes proyectos y creo que ya hemos desarrollado un lenguaje grupal que siempre está en movimiento. 
Este grupo es un sueño hecho realidad para mí. Admiro mucho a mis compañeros y en cada ensayo o concierto aprendo algo nuevo de ellos.


IDJ. ¿Lo vas a sacar a pasear por el país o solo el circuito de Baires y La Plata?

En este momento tenemos conciertos en Buenos Aires hasta julio. A partir de agosto hay fechas en Córdoba, Río Negro, Neuquén, Bahía Blanca y Mar del Plata.

IDJ. ¿Hay músicos en tu familia?

No hay músicos en mi familia. Mi padre tocaba un poco la guitarra cuando era joven. Su guitarra siempre estaba al costado de la cama y así fue como yo empecé a tocar. Sacaba esa guitarra de la funda y rasgaba las cuerdas al aire con mucha intensidad.

Discografía Referencial:

El bosque brillante (2017)
Viento Divino (2012)
Lucecita (2007)


© Impronta De Jazz

domingo, 26 de marzo de 2017

IMPERECEDERO MONK



NUEVO ALBUM DE  THELONIOUS MONK EMERGE DESDE LA BANDA DE SONIDO  DE UN CLÁSICO DEL CINE FRANCES 

La banda sonora de Thelonious Monk para “Les Liaisons Dangereuses”, la provocadora película francesa dirigida por Roger Vadim, será editada y comercializada  como álbum doble esta primavera, en Europa. El genial pianista y modernista del jazz, suma este registro como un nuevo descubrimiento: si bien esta música fue grabada en 1959, nunca ha estado disponible fuera del contexto de la película, que está “out of print”.

"Es una banda sonora, pero también es un álbum de estudio", dijo Zev Feldman, quien coprodujo este nuevo lanzamiento con dos socios franceses, François Le Xuan y Frederic Thomas. "Debido a la calidad del material", agregó Feldman, " pienso en ello de alguna manera como un álbum de estudio. Este es Monk en su mejor momento, en un momento realmente importante, y es evidente que todavía estaba evolucionando”.

El trabajo que data de 1960 será publicado como un objeto de lujo en el renovado formato; de 2 LP el 22 de abril, por Record Store Day, y está programado su lanzamiento en 2 cedés para el 19 de mayo. El set es una producción en  conjunto de dos sellos independientes: Sam Records (fundado por Thomas) y Saga Jazz (dirigido por Le Xuan).

Esta grabación, al igual que el resto del álbum, se hizo en el Nola Penthouse Sound Studios en West 57th Street en Nueva York, el 27 de julio de 1959. Junto con Sam Jones en contrabajo y Art Taylor en la batería, cuenta con los míticos saxofonistas tenores, Charlie Rouse y Barney Wilen.

Como dice el poeta, “lo más que de la vida hay que esperar son presentes afortunados”. 


domingo, 19 de marzo de 2017

A PREPARAR LA BILLETERA


Editan histórico concierto de Jaco Pastorius


Jaco Pastorius (1951-1987), en el breve paso que tuvo por este mundo, dejó una marca imborrable en la escena musical de su tiempo. Este mítico bajista y compositor estadounidense de formación autodidacta es considerado, con justicia, un auténtico ícono en su instrumento y una cita ineludible de la historia jazzista del siglo XX.

En su venerada trayectoria asoman –entre muchos otros trabajos-  un breve paso por la bandas Wayne Cochran and the C.C Riders y Blood, Sweet & Tears, la colaboración con Pat Metheny (a quien acompañó en Bright Size Life de 1976), los discos que grabó con Joni Mitchell (Hejira en 1977, Mingus de 1979 y Shadows and Light en 1980) y la incorporación al legendario Weather Report, documentada en los álbumes Black Market de 1976, Heavy Weather en 1977, Mr. Gone de 1978, 8:30 en 1979, Night Passage de 1980 y Weather Report en 1982.

La discografía solista de Jaco Pastorius abarca apenas tres álbumes oficiales -Jaco Pastorius de 1976, Word of Mouth en 1981 e Invitation de 1983– y un sinfín de ediciones (en las que se incluyen grabaciones en vivo, bootlegs, compilados y videos) publicadas después de su trágica desaparición en 1987.En los próximos meses, el sello discográfico Resonance Records incorporará una nueva pieza al legado de Jaco Pastorius con el lanzamiento del álbum doble titulado Jaco Pastorius: Truth, Liberty & Soul - Live in NYC: The Complete 1982 NPR Jazz Alive! Recording.

Este material histórico, con más de dos horas de duración, registra un concierto completo ofrecido el 27 de junio de 1982 en el prestigioso Avery Fisher Hall. En esa ocasión, Jaco Pastorius fue secundado por una formación ampliada de Word of Mouth Band que incluyó -además de sus miembros habituales: Peter Erskine en batería, Randy Brecker en trompeta, Bob Mintzer en saxo tenor, Othello Molineux en tambores metálicos y Don Alias en percusión- a los saxofonistas Bob Stein, Lou Marini, Frank Wess, Howard Johnson y Randy Emerick, los trompetistas Alan Rubin, Lew Soloff, Jon Faddis, Ron Rooley y Kenny Faulk, los trombonistas David Taylor, Jim Pugh y Wayne Andre, John Clark y Peter Gordon en trompa, David Bargeron en tuba y la participación como invitado especial de Toots Thielemans en armónica.

El material comprende composiciones de Pastorius extractadas de su discografía (Soul Intro/ The Chicken de Invitation, Three Views to a Secret  y Liberty City de Word of Mouth, Okonkolé y Trompa de Jaco Pastorius y Twins proveniente del compilado Live in Japan 1982), la lectura del tema de Bronislaw Kaper Invitation (versionada por Pastorius en el álbum homónimo), una recreación del clásico de Bob Marley I Shot the Sheriff, las singulares interpretaciones de la piezas de Duke Ellington Sophisticated Lady y Fannie Mae de Buster Williams (ambas incluidas por Pastorius en Invitation de 1983), la imperecedera Donna Lee de Miles Davis (con versión previa contenida en Jaco Pastorius de 1976), el inédito Bass and Drum Improvisation, un medley con Reza y Giant Steps de John Coltrane y las reinterpretaciones de Blusette de Toots Thielemans y Mr. Fonebone de Bobby Mintzer.

Jaco Pastorius: Truth, Liberty & Soul - Live in NYC: The Complete 1982 NPR Jazz Alive! Recording tendrá una primera edición en vinilo triple el próximo 22 de abril y otra en formato de CD doble a producirse el 19 de mayo.




domingo, 12 de marzo de 2017

ENTREVISTA A CLAUDIO CONSTANTINI - 2ª PARTE



IDJ. ¿Que virtud debe reunir una interpretación de música clásica para que la consideres dentro de tu repertorio?

Si me hablas de una interpretación busco la espontaneidad y creatividad que puedan dar, además de todo lo que puedan transmitir. El repertorio en sí lo elijo en base a la música y no a una interpretación de él. Por lo general en los estudios de formación uno va recibiendo el repertorio de sus profesores y así familiarizándose con él. Esto le da una base a sus conocimientos y su gusto para elegir repertorio más adelante.

IDJ. ¿Porque género musical sentís más debilidad estética?

Si te refieres a cual me gusta más, no te lo podría decir. Cada uno compensa una parte de mi búsqueda. En el repertorio clásico un intérprete transmite su sentimiento mediante música previamente escrita y de cierta estética. Es música muy profunda y que muchas veces requiere de mucha preparación no solo para tocarla sino también para escucharla. Los géneros populares como el jazz, tango, etc me aportan una sensación de inmediatez y conexión, distinta a la clásica.

IDJ. ¿Como se ve Latinoamérica desde Europa?

Lamentablemente no conozco casi nada de Latinoamérica. Solo mi país. Son mundos distintos, otra manera de vivir, de expresarse. Aunque por otra parte conozco todo el tiempo a gente de todas partes del mundo y me gusta encontrarle los puntos en común a la gente ya sea de Latinoamérica o de cualquier otro continente.

IDJ. En tu web figura tu actividad como profesor. ¿En que haces foco con tus estudiantes?

En las cosas que me parecen fundamentales: técnica, ritmo, y sentimiento. Es un resumen bastante básico porque en realidad es todo muy extenso y además están todos entrelazados entre sí. La buena técnica es una herramienta fundamental y como decía Heinrich Neuhaus (uno de los grandes profesores de piano de la historia), se debe adquirir una perfección técnica tan elevada que haga que ésta misma no se note. Es decir, la música es lo primero pero sin buena técnica no se podrá transmitirla del todo bien porque faltarán los medios para poder hacerlo.

IDJ. ¿Qué estás escuchando en este momento de tu vida?

De todo, como siempre! Eso nunca cambia. Reencontré un disco de Petrucciani que es una joya, de sesiones en solitario en el Blue Note, y me lo pongo todo el tiempo pero en unos días será otro y luego otro, estoy siempre escuchando música.

IDJ. Si tuvieses que elegir tres discos que marcaron tus estilos, ¿con cuales te quedarías?

Uff que difícil!!! Ninguno realmente ha marcado de todo mis estilos pero varios me han influenciado muchísimo, "Kind Of Blue" por ejemplo sería uno de ellos. "Tango Zero Hour" de Piazzolla también… el tercero te lo dejaré en blanco porque no puedo quedarme solo con tres, es imposible!

IDJ. La música clásica siempre se la asocia a una élite de conocedores. ¿Cómo te llevas con eso?

Mayormente es cierto pero al menos en Europa esto está cambiando poco a poco y espero que siga así. Yo creo que sí. También la música clásica se está abriendo a nuevos públicos y nuevas fronteras. Me parece absolutamente necesario.

IDJ. Ser músico ¿se nace o se hace?

Yo creo que pueden ser ambas cosas. Es una ciencia incierta la de qué hace que un músico sea bueno. Un gran misterio. Estoy convencido de que hasta cierto punto si que se puede hacer. Pero hay algunas cualidades básicas que se necesitan para poder llegar a ser un gran músico y esas las reúne muy poca gente, ya que no dependen solamente de uno uno sino también de su entorno y lo que pueda haberle influenciado. 



© Impronta de Jazz